Category Artiste

Nicolas Ravet, également connu sous le nom de Toska, est un peintre originaire de Liège, dont la présence a marqué les expositions et les galeries d'art depuis 2008. Guidé par son instinct, il a tracé sa propre voie artistique au fil des ans, en maniant ses pinceaux avec détermination. Son style, qu'il a nourri, affiné et renouvelé quotidiennement pendant plus d'une décennie, témoigne de sa persévérance inébranlable. Avec enthousiasme, il continue de se perfectionner, laissant derrière lui une collection impressionnante d'œuvres.

La démarche artistique de Toska trouve ses racines dans la décomposition de son environnement en formes synthétisées telles que les cercles, les triangles et les carrés. Sa composition globale est empreinte d'intuition. À travers ses œuvres, il cherche à capturer les flux de la vie, à saisir les lignes directrices des formes et à les traduire en expressions picturales. Dans une danse de traits entrecroisés, il simplifie les formes au maximum, plongeant toujours plus profondément dans la matière jusqu'à pénétrer ses cellules, son énergie, ses fluides, pour ensuite les extraire.

L'objectif de Toska est de représenter le Mouvement, les forces d'une structure plus vaste et universelle. Tel un puzzle soigneusement reconstitué, chaque élément trouve sa place avec minutie, créant une harmonie au sein d'un Tout transcendant. Sa peinture aspire à permettre à l'observateur de percevoir l'énergie des mouvements qui l'emportent et de développer intuitivement une vision au-delà des limites du cadre.

Il jongle habilement entre l'effervescence du live painting et la tranquillité de son atelier. Sa palette d'expressions artistiques est diverse et variée, s'étendant des tatouages aux objets, en passant par les meubles, les toiles, les murs et même les vitrines de magasins.

Son univers oscille entre les arts primitifs, comme l'art Maya, et le Street Art dont l'influence est indéniable. Son style, à la fois reconnaissable et singulier, invite à perdre toute notion d'espace et de temps, engendrant un labyrinthe de formes et de couleurs à la complexité surprenante.

Cependant, ne vous méprenez pas, la simplicité apparente dans les œuvres de Toska est le fruit d'une préparation minutieuse. Ses créations prennent forme d'abord dans son esprit, comme des idées obsessionnelles, et se déploient ensuite dans le monde matériel. Partant des compositions ou des traits de volumes, il les décompose progressivement, simplifiant au maximum pour plonger toujours plus profondément dans la matière jusqu'à atteindre les cellules, les énergies et les fluides qui la composent.

La technique d'exécution de l'artiste, une alternative à la bombe, la pipette lui permet de contenir une importante quantité de peinture, générant des résultats fluides et réguliers. Ses œuvres captivent immédiatement les yeux, tout en laissant l'esprit subjugué. Touche-à-tout dans l'âme, il expérimente constamment de nouvelles techniques, comme les couleurs phosphorescentes, et explore des inspirations jusqu'alors inattendues, comme le règne animal.

En conclusion, son art célèbre la persévérance et la simplicité au sein de la complexité, ouvrant les portes d'une contemplation audacieuse et intuitive.

Alexis Remy-Paquay a grandi à Verviers, sa ville natale, où il a passé toute sa jeunesse et y a effectué ses études secondaires. Il a ensuite entamé des études de médecine à Namur puis à Bruxelles, se spécialisant ultérieurement en pédiatrie.

Précocement sensibilisé à l’art, d’abord par la peinture, il s’est progressivement orienté vers la photographie, explorant l’argentique et le numérique, trouvant ainsi un moyen de mettre en pratique ses connaissances théoriques. Fasciné par la capture de l'instant, il aime s'approprier et interpréter les moments, travaillant dans l'immédiat, variant les jeux de lumières et les profondeurs.

Depuis une dizaine d'années, Alexis Remy-Paquay explore la photographie de manière autodidacte, privilégiant l'approche essai-erreur. Sa technique s'oriente vers le noir et blanc pour la lumière qui tranche, qui sublime, qui approfondit les ombres et les nuances ainsi que pour la vitalité des traits.

Parmi ses inspirations, on retrouve des artistes phares de la photographie en noir et blanc, principalement des photographes de rue et de guerre, œuvrant dans l'action. Citons notamment Abbas, Elliott Erwitt, Robert Doisneau, Ursula Schulz-Donnburg, Sebastião Salgado et Graciela Iturbide.

Alexis Remy-Paquay travaille par passion, pour lui-même, et n'a dès lors jamais dévoilé ses clichés au grand public. C'est avec une grande joie que la Galerie HVL organise la toute première exposition en galerie du jeune photographe. 
Plus d'une vingtaine de photographies, exclusivement en noir et blanc, vous seront présentées. 
Au travers de son exposition intitulée "Magical realism", Alexis Remy-Paquay vous fera voyager dans les contrées d'Amérique Centrale et d'Amérique du Sud.

François LURQUIN - Dessinateur, architecte et designer

François Lurquin est né en 1997 à Verviers, où il vivra durant ses vingt premières années avant de s'installer à Liège pour suivre des études d'architecture. Il décidera par la suite de prendre un nouveau départ dans les Hautes-Alpes. Depuis le plus jeune âge, François Lurquin est baigné dans le milieu artistique, principalement grâce à son grand-père Raymond Gaillard, artiste peintre. De personnalité plutôt discrète, c'est à l'aide du travail de ses mains que le jeune artiste a toujours cherché à s'évader, à communiquer, à montrer qui il était et ce qu’il ressentait.

 Note de l’artiste :

«OBSERVER-RESSENTIR-COMPRENDRE-RETRANSCRIRE. C'est ainsi que j'ai trouvé mon processus de représentation. Ce sont mes propres vécus qui deviennent sources d'inspirations : retrouver un souvenir à travers le dessin, dessiner pour moi et non pour les autres, capturer une émotion et parvenir à vous la transmettre... »

Bego BARCENA - Photographe, vidéographe et biologiste

Bego Barcena est née en 1992 à Pampelune, en Espagne, où elle vivra jusqu'à ses 21 ans. Elle a étudié la biologie et obtenu un master à Anvers. Enfin, après avoir consacré une partie de sa vie aux voyages et à la recherche du vivant, elle décide de s'installer dans les Hautes-Alpes.

Elle s'est intéressée à la photographie depuis toujours. Lorsqu’elle était enfant, elle adorait se perdre dans la maison pour regarder d'anciennes photos stockées dans les cartons de son père et son grand-père... La passion était née.
En plus de la photographie, Bego Barcena pratique la vidéo, principalement dans le monde du spectacle.
Son travail est brut, naturel. Elle utilise le décor de la nature, le vivant et la lumière du soleil pour créer une ambiance unique, à la fois proche et loin de la réalité. Ses photos proviennent d'où elle vient ainsi que de là où ses multiples voyages l'ont emmenée.

Présentation de l’exposition par les artistes

 « L'homme s'élève par sa modestie et son humilité et se dégrade par son orgueil. »
« La montagne offre à l'homme ce que la société oublie de lui donner. »

Les montagnes nous enseignent, les plus grandes ne sont pas nécessairement celles qui abritent le plus de richesses.
La vraie montagne attire autant qu'elle ne repousse, on l'admire autant qu'on ne la redoute. Elle tend à nous surpasser, à repousser nos limites, prétendant ne trouver la sublimité que dans les grandes renommées, mais laissant souvent toute une beauté de côté...

Notre exposition se tourne vers ce côté plus ordinaire, vers cette authenticité minérale, cette pureté omniprésente. Ces montagnes nous dominent. Nous sommes chez elles, dans leur grand jardin. Nous y passons du temps, nous les contemplons quotidiennement, et pourtant, chaque jour, notre coup d’œil s'accroche sur quelque chose de différent.
Ici, nous vous étalons notre subjectivité, nos ressentis spontanés, nos émotions trouvées dans cette immensité où le potentiel se mélange très souvent à l'inaperçu. Nous vous proposons nos cadrages singuliers, nos regards décalés... 

Bego Barcena, François Lurquin

Peintre, sculpteur, dessinateur, illustrateur : les dénominations ne manquent pas pour présenter Jean Lequeu, un artiste polyvalent à la carrière étoffée.

Son parcours débute en tant qu'étudiant à l'Académie Royale des Beaux-Arts de Liège. Il deviendra par la suite professeur dans ce même établissement pendant plus de trente ans. Maitrisant de ce fait les codes et techniques académiques, il jongle aisément entre les différents styles. Concomitamment à son rôle d’enseignant, Jean Lequeu continue de créer inlassablement tout au long de sa vie.

A la suite de nombreuses expositions collectives et individuelles, Jean Lequeu décide au début des années 90 de ne plus exposer. Artiste discret et sensible au regard de l’autre, il ne souhaite plus être le centre d’intérêt au milieu du brouhaha des vernissages et la lumière éblouissantes des spots des galeries. Ne cherchant plus la reconnaissance publique, il préfère recevoir les visiteurs dans l'intimité de son atelier dans lequel il passe le plus clair de son temps libre. Artiste véritable plutôt que showman, il laisse derrière lui les mondanités et la mise en place chronophage des expositions pour se consacrer essentiellement à la réalisation de son art. Pour cette raison, il nous offre un héritage conséquent avec de nombreuses œuvres encore inconnues du public.

L’univers atypique de Jean Lequeu est composé de personnages loufoques à la morphologie étrange, de créatures mythologiques, de guerriers courts sur pattes, d’animaux joufflus ou encore de machines volantes extravagantes ! Créateur prolifique à l’imagination débordante, l’artiste nous fait voyager dans des mondes imaginaires rappelant parfois les contes de notre enfance.

Les sources de son inspiration sont nombreuses et variées. Observateur et curieux, il s’intéresse à l’histoire, la littérature, la mythologie mais aussi au cinéma et à la bande-dessinée. Il réalisera d’ailleurs des illustrations pour une série de livres pour enfant commandés par Gakken, un éditeur japonais.

Malgré son œuvre d’apparence joyeuse et festive, Jean Lequeu reste pessimiste face à la marche du monde, ce qui l’amène à traiter de sujets plus sombres tels que la guerre ou la mort. Avec une touche plus académique, il réalisa également une série de vues de Verviers dans le goût des Intimistes verviétois, mouvement artistique né dans notre région au début du XXe siècle.

Avec l’aide de Françoise Villers, épouse de Jean Lequeu, la Galerie HVL rend hommage à ce verviétois dans l'âme avec une exposition retraçant son parcours artistique, en passant par les différentes périodes et thèmes qui l'ont habité tout au long de sa vie. Petits et grands, nous vous invitons à venir découvrir son univers fantastique non dénué de dérision, d'humour et de satire.

Les expositions reprennent à la Galerie HVL 

Nous vous attendons nombreux pour le vernissage de Marc Jortay, artiste peintre, le vendredi 15 septembre à partir de 18h 

 Autobiographie de l'artiste :

Ma carrière a débuté le jour où, à l’âge de 4 ans, l’institutrice de l’école maternelle des Boulevards à Verviers a informé mes parents qu’il était impossible de me faire reproduire un dessin à l’identique.
En 1955, les logopèdes ne courraient pas les écoles pour dépister les « dys » quelque chose. Ce fut encore plus prononcé lorsque, invité à écrire mon prénom, je le transcrivais en CRAM.
C’est depuis lors que ma mère m’appela Cram et non plus Marc.
J’étais dyslexique et gaucher visuel. Le problème s’amplifia quand il s’étendit à toute forme de raisonnement.

Plus que par l’écriture, mon apprentissage démarra par des cours de dessin. Par la suite mon parcours scolaire fut assez chahuté jusqu’à la fin des études secondaires. Entretemps, j’avais passé une bonne partie de mes loisirs d’enfant et d’adolescent avec mon grand-père paternel, Ernest Jortay, menuisier et chef décorateur au Grand Théâtre de Verviers.
La pratique de la menuiserie et l’art du bois ont complété mon émerveillement pour la création quelle qu’elle soit.
Je me mis également, dès l’âge de 12 ans, à la pratique de la photographie ou les principes physiques d’optique me parlaient particulièrement, moi qui devais jongler sans cesse avec
des images inversées.
A 16 ans, ma décision était prise : je serai architecte. Mon père, lainier, voyageait beaucoup. Il parlait 4 langues et ses récits de voyage, ainsi que les images qu’il en rapportait me subjuguaient. J’envisageais donc une année de voyage avant mes études supérieures et la confrontation avec l’autorité scolaire me fit prendre une décision plus pertinente : après avoir passé et réussi l’examen d’entrée, je fus admis à la haute école de navigation d’Anvers comme élève officier de pont au long cours.
En 1970, je fis donc le tour du monde et je pus l’appréhender seul et sans a priori.
En 1971, après l’examen d’entrée, je fus admis en première année d’architecture à l’Institut Saint-Luc de Liège.
Dès la première année, je sus que je ne m’étais pas trompé. Durant les trois premières années, je pris goût à la peinture grâce à un professeur, peintre de Raeren, André Blank.
Je ne commencerai cependant à peindre que dans les années 80/90.
Je terminai mes études d’architecture à la Cambre à Bruxelles en 1977.
Je complétai ma formation par une licence de troisième cycle en aménagement du territoire et urbanisme à l’ULB.
A dater de cette année 1977, je me consacrai entièrement, avec mon épouse Isabelle Noël, architecte-paysagiste, au développement de mon agence d’architecture qui au fil du temps devint la sprl AUPa : Architectes, Urbanistes, Paysagistes associés.
En 2016, la société comptait 20 collaborateurs et associés et je conclus un management buy out avec 4 d’entre eux.
En 2018, je quittai mes fonctions de président de la chambre des urbanistes de Belgique.

Durant toutes ces années, je continuai à peindre et photographier, bref à créer, lors de mes loisirs. Ces deux activités me sont devenues nécessaires comme l’eau et le pain.
Ce parcours et toutes les expériences et voyages qui se sont succédé ont constitué ma source d’inspiration, voire ont modifié ma manière de travailler.

En peinture, j’ai pris le parti de ne plus dessiner mais de travailler les couleurs et la matière avec d’autres outils que le pinceau.
Les ambiances et les contextes, deux éléments déterminants pour les architectes et les urbanistes, structurent un travail qui ne se veut pas figuratif. L’histoire et l’évolution des espaces bâtis, des villes et des campagnes, sont sous-jacents dans mon travail pictural.
J’ai décidé de garder l’esprit ouvert à tout, sans a priori, faute de quoi, je briderai inutilement mon inspiration.

« Vous n’êtes pas les choses que vous faites,
Vous êtes votre manière d’être. »
- Neale Walsh

 La Galerie HVL expose Kong Le Foudeur 

Anthony Malamba, alias Kong le Foudeur, est un graphiste et artiste pop belge faisant le pont entre le monde du dessin animé et le monde de la mode. Il puise son inspiration dans la bande dessinée, le dessin animé et la culture streetwear au travers de marques classiques et tendances : deux univers qu'il rapproche en couleur. Son art est un vaste mélange d'idées nouvelles et lumineuses qu'il matérialise numériquement ainsi qu'en peinture.

Ancien graffeur, Kong privilégie désormais la toile de grand format pour peindre des gros plans de personnages en action, dont les accessoires et les tenues n'échapperont pas à l'œil attentif des amoureux de la mode. En effet, les références multiples, tantôt discrètes tantôt clinquantes, renvoient au réel intérêt suscité par la vogue en général (sneakers, street fashion, etc...).

Enfin, ses illustrations valorisent le riche patrimoine culturel belge : une culture à laquelle Kong le Foudeur est très attaché puisque le monde de la bande dessinée occupe une place prépondérante dans son œuvre.

L’art s’exprime sous toutes ses formes à la Galerie HVL 

Deux jeunes créateurs de mode font leurs débuts dans le monde des expositions, accompagnés d’une jeune artiste peintre.
Au même titre que la peinture, la photographie ou la sculpture, le stylisme sera mis à l’honneur lors de notre exposition du mois de mai 2023.

Côté fashion, Elisa Godfroid et Lionel Virgile qui s’inscrivent dans la tendance du « Upcycling ». Aux cimaises, vous pourrez découvrir le travail de Mathilde Peiffer.

Présentation des artistes :

Elisa Godfroid est née à Verviers en 1992. Depuis le plus jeune âge, tout ce qui touche à la création l’attire et la fait voyager. La peinture, le dessin, les matières, l’architecture, la mode et le design ont toujours fait partie de sa vie.

A la suite de ses études en stylisme-modélisme à la Haute Ecole Helmo Mode, elle saisit très rapidement une opportunité pour partir travailler à Paris où elle vivra pendant huit ans.
Durant ces années, elle a occupé de nombreux postes. Rapidement lancée en tant qu’indépendante-freelance, elle a pu faire ses armes et s’est immergée dans le noyau dur de la mode. Elle a travaillé en tant que styliste photo en passant par l’assistanat et les bureaux de rédaction pour différents magazines ainsi que comme consultante pour plusieurs marques.

Revenue depuis peu sur le territoire belge, elle lance sa propre marque "La Seule Shop" qui s'inscrit dans la tendance du Upcycling. Depuis son « Appart-elier » situé à Heusy, elle confectionne ses créations à l’aide de tissus de haute qualité et laisse parler son imagination.

Passionnée, son mot d’ordre est le partage. Grâce à ses inspirations et ses envies, la créatrice souhaite nous faire voyager, raconter des histoires à l’aide des couleurs, des matières et des volumes. Elle ne réalise que des pièces uniques dans lesquelles chaque détail à son importance. Selon elle, la création n’a pas de limite, la mode appartient à chacun, ce qui compte est de se sentir bien.

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Lionel Virgile est un jeune créateur de 26 ans originaire de la région verviétoise. Initié à la couture par sa mère, la passion pour la création et la mode est née et ne l’a plus quitté depuis lors.
N’ayant suivi aucune formation officielle, le créateur autodidacte débute dans l’optique de de se confectionner des vêtements uniques, pour lui-même. Il s’inspire de certains grands designers qui produisent des pièces qui le font rêver et décide de se créer son propre univers.
Recevant des retours positifs de son entourage et de ses proches, il décide de proposer ses services et de lancer sa propre marque « Pacific Boys ».

Lui aussi, étant inscrit dans la tendance du Upcycling, travaille avec d’anciens vêtements provenant principalement de fripes. Sa matière de prédilection : le jeans. Il affectionne particulièrement cette matière ainsi que la multitude de possibilités qui sont propres à ce type de tissus.
Dans un style qu’il qualifie de « chaos ordonné », à orientation Streetwear, il confectionne des pièces uniques. Il crée des vêtements qui sont parfois entièrement réassemblés à l’aide de sa machine à coudre, dans son atelier.

Selon lui, chacune de ses réalisations a sa propre histoire. Il donne un second souffle aux habits qu’il récupère et y ajoute une partie de lui-même, dans un éternel cycle, un éternel recommencement.

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Mathilde Peiffer, alias La Choza, est une artiste peintre de 28 ans elle aussi originaire de Verviers. Adepte du pinceau depuis l’enfance, elle travaille discrètement pendant de nombreuses années et ne commence à dévoiler ses œuvres que tardivement. A la suite d’une exposition dans un lieu privé, elle réalise à la Galerie HVL sa première exposition publique en galerie.

L’esprit créatif fait partie de son quotidien : après un master en design industriel puis une formation en web development/code, elle travaille désormais en tant que créatrice et designer d’interfaces web. Passionnée par son activité professionnelle, elle transmet la même énergie dans sa vie d’artiste.

La jeune peintre est inspirée par la nature et les couleurs qui la composent, les paysages qu’elle a découvert, les films d’animation et la bande dessinée. Son style haut en couleurs se situe à la croisée des chemins entre les influences de Jean Dubuffet, du Doodle Art, et du Pop Art.

Globe trotteuse dans l’âme, elle puise également son inspiration dans ses aventures et expériences, notamment un voyage de presque trois ans en Australie. Pour l’anecdote, son nom d’artiste « La Choza » trouve son origine lors un voyage en Patagonie, au Chili, à la suite d’une tempête de neige dans la Cordillère des Andes.

Peintre, photographe, vidéaste, sculpteur, … Guy Lemaire est un artiste autodidacte polyvalent aux multiples talents. Né en Belgique en 1954, il s’intéresse dès le plus jeune âge au monde de l’art. Il débute son aventure artistique en rejoignant les tendances de la photographie américaine de l’époque, plus précisément le courant des Witkin, Mapplethorpe, Gatewood, etc… Depuis lors, il n’a cessé de se développer, se réinventer, diversifier les styles, les techniques et les supports.

Au fil de sa carrière, Guy Lemaire acquiert une renommée internationale grâce à de nombreuses expositions à l’étranger : Tokyo, Amsterdam, Cologne, Milan ainsi que Buenos Aires en 2004 avec l’exposition « Play III » qui lui permet d’être reconnu pour son travail de vidéaste. Remarqué pour son talent de photographe, il est sollicité par les pataphysiciens, dont André Blavier, pour illustrer « Temps Mêlés ». Un article lui est également dédié dans le renommé magazine américain « Collectors Photography USA ». Ses œuvres sont présentes dans de nombreuses collections prestigieuses telles que le Département des Estampes et de la Photographie de la Bibliothèque nationale de France à Paris, la Collection Paul Arden (Saatchi & Saatchi) et le Musée Ken Damy à Milan.

En 2007, en quête de régénérescence créative, l’artiste décide de quitter l’effervescence des villes pour s’isoler dans les Fagnes, où il réside toujours. C’est dans la sérénité de la nature qu’il redécouvre le plaisir de peindre.

Guy Lemaire débute ce nouveau chapitre par l’étude des noires monochromes. En passant par une période qu’il qualifie de « Néo-expressionnisme allemand », il se concentre ensuite sur l’art des peuples primitifs, inspiré notamment par l’iconographie aborigène. Passionné de mathématiques, il utilise les formules qui régissent les lois de notre univers pour composer ses toiles. Constamment à l’affût de l’évolution des nouvelles technologies, il n’hésite pas à incorporer l’intelligence artificielle à son processus de création artistique. Guy Lemaire, un esprit créatif, un visionnaire ?

A l’occasion de son exposition à la Galerie HVL, Guy Lemaire vous présente ses dernières oeuvres : photographies, toiles « mathématico-tribales » ainsi qu’une série exclusive dans un style neuf néo-expressionniste. Nous vous attendons nombreux pour venir découvrir le travail de ce personnage énigmatique…

Après plusieurs années d'absence, Jean-Marie Mélis fait son retour sur la scène des expositions. Et cela se passe dans sa ville natale, à la Galerie HVL ! 

Dans un style originaire de la bande-dessinée, le jeune retraité nous dévoile ses huiles et dessins gravitant toujours autour de son thème central : la femme. Sa grâce, sa beauté, sa fragilité mais plus encore sa force guerrière sont dépeintes dans ses oeuvres. D'une précision hors du commun, ses toiles sauront vous faire voyager dans l'imaginaire de cette multitude de personnages...